Обзоры

Два ярких кинематографических хита этого лета - романтическая комедия «Барби» и биографическая драма «Оппенгеймер», поразительно играют с ожиданиями зрителей, и на самом деле оказываются совсем не такими, какими могли показаться на первый взгляд. Если первый фильм оказался великолепным представителем жанра каминг-оф-эйдж, то второй превратился в монотонное, но захватывающее кино о рождении звезды смерти, предназначенной унести с собой десятки тысяч невинных жизней.

Роберт Оппенгеймер - выдающийся физик, мыслитель и социофоб, полностью преданный своему делу - оказал неподдельное вдохновение для режиссера Кристофера Нолана. Нолан, будучи сторонником классического подхода в эпоху высоких технологий, до сих пор снимает на пленку и настойчиво отвергает использование компьютерной графики (CGI). Его кинематографическая вселенная никогда не допускает сосуществования нескольких гениев, и поэтому автобиографическую книгу «Триумф и трагедия американского Прометея», лежащую в основе сценария «Оппенгеймера», он решил адаптировать сам.

Фильм начинается с нелинейного рассказа о жизни Роберта Оппенгеймера (сыгранный Киллианом Мёрфи), где зритель увидит его многообразные роли: от прилежного студента престижного Гетеборгского университета до преподавателя физики в Беркли, от руководителя Манхэттенского проекта до непостоянного любовника и неверного мужа, от всенародного героя до предателя родины. В конце концов, он окончательно разочаровывается в своей жизни.

Затем следует более захватывающая часть фильма, где рассказывается о создании атомной бомбы. Зрителю показаны ожесточенные притирки талантливых физиков-ядерщиков и оживленные споры великих умов в большом квадратном кабинете, где они носят безликие серые костюмы. Некоторые известные звезды Голливуда сделали свои камео-появления в этой части фильма, придавая ей особую привлекательность.

Фигура Оппенгеймера в визуальном изображении Нолана может показаться противоречивой, но на самом деле ему уделяется лишь немного времени. В фильме «Оппенгеймер» действие постоянно перемещается во времени, переходя от прошлого к будущему и обратно, и жизнь великого физика представлена фрагментарно - через яркие, но слегка приглушенные воспоминания на фоне осенних пейзажей и просторных серых лабораторий.

Хотя Нолан стремится избежать прямого цитирования «Википедии», он неизбежно использует характерные элементы жанра байопика, выделяя некоторые части жизни главного героя и игнорируя другие. В то же время, он экономит на женских персонажах, таким образом, персонаж Китти Оппенгеймер (сыгранная Эмили Блант), с постоянной проблемой алкоголя, появляется на экране всего лишь на 15 минут, а Джин Тэтлок (сыгранная Флоренс Пью), постоянно обнаженная, даже меньше. Тем не менее, чувство собственного превосходства Оппенгеймера и его рефлексивный образ мышления передаются в кадре точно и безошибочно. В значительной степени это достигается благодаря убедительной и захватывающей актерской работе Киллиана Мёрфи, который словно создан для игры психопатических личностей.

Без сомнения, Роберт Оппенгеймер был человеком, страдающим от ментальной нестабильности, и несмотря на старания Нолана морально оправдать главного героя, это вызывает сомнения. В качестве «злодея» противопоставленного «гению» Оппенгеймеру, режиссер выдвигает американского бизнесмена Льюиса Штраусса (замечательно исполненного Робертом Дауни-младшим в одной из своих лучших ролей), чье видение отображается в черно-белых кадрах.

Однако Нолану не удается достичь уровня противостояния, сравнимого с тем, что было в «Престиже», где двое явно амбициозных мужчин раскрывали свои темные стороны. В «Престиже» у персонажей Кристиана Бейла и Хью Джекмана было достаточно места для развития и раскрытия их характеров, в то время как «Оппенгеймер» иногда напоминает большую голливудскую коммуналку, где время в кадре ранжируется по степени известности актера. Например, Нату Вулфу и Джеку Куэйду достается лишь фоновая массовка, Мэттью Модайну и Гэри Олдману - пара кратких, но сильных монологов, а Дэйну ДеХаану и Рами Малеку уделяется заметное количество времени, хотя их персонажи кажутся относительно несущественными.

В фильме, несомненно, бескомпромиссно много времени уделяется атомной бомбе, вокруг которой ведутся все разговоры, а также музыке композитора Людвига Йоранссона (известного по работе над «Доводом» и «Мандалорцем»), которая создает захватывающее ощущение нарастающего напряжения. Однако, неожиданно для блокбастера лета, в фильме отсутствует экшен-сцен. Единственное исключение составляет пугающе немая сцена первого ядерного испытания «Штучки», за которой неминуемо последуют сбросы «Малыша» и «Толстяка» на японские города Хиросиму и Нагасаки.

Однако Нолан осознанно решает не показывать эту часть истории на экране, отказываясь превращать главную трагедию Второй мировой войны в яркий кинематографический аттракцион. Он предпочитает оставить эти события за кадром, чтобы не размывать важность и серьезность этого исторического момента. Таким образом, фокус остается на атомной бомбе и ее создании, а зритель может лишь представить масштаб и последствия тех событий, которые остаются за пределами кадра.

В контексте интернет-феномена «Барбигеймера», фильм Кристофера Нолана представляет собой мрачную версию Kenworld, где группа параноидальных мужчин сражается между собой, стремясь уничтожить друг друга морально и физически. В условиях радикального патриархата, разум приводит лишь к самоуничтожению, а мир превращается в тревожную и беспокойную воронку. В явном отличии от «Барбилэнда», который создан в духе радости и доверия, «Оппенгеймер» является его идеальным антиподом. Фильм создан в обстановке дефицита любви, доверия и розовых очков.

Можно, конечно, смотреть «Оппенгеймер» и без присутствия трех указанных составляющих, но в целом, это может не представлять большого интереса. Фильм оставляет ощущение тяжести и серьезности, что делает его менее привлекательным для тех, кто ищет яркие и радостные впечатления.

В райском уголке Барбиленда всё тихо и спокойно. Властью города обладают сияющие Барби, позволяя Кенам наслаждаться безмятежным пластиковым миром, где пляжные волны всегда под рукой, а дни идеально пропитаны дискотеками, танцами и роскошными костюмами – заботы смысла не имеют.

Однако, среди благоденствия, одна из Барби – Марго Робби – начинает замечать странные перемены в себе: мысли о смерти охватывают её, на ранее безупречном теле появляется нежеланный целлюлит, а самое ужасное – её красиво изогнутые ступни становятся плоскими. В поисках ответов на это необычное явление, Барби обращается за помощью к Странной Барби, которая обитает в пригороде Барбиленда и отличается от своих сияющих соседей.

Кейт МакКиннон знакомит Барби с горькой реальностью человеческого мира, где есть место несовершенствам и неизбежности старения. Оказывается, что корни всех этих изменений у Марго Робби лежат в реальном мире, куда она однажды отправилась и поиграла с маленькой девочкой, смело рисовавшей свою будущую жизнь.

Чтобы вернуться к привычной беззаботной жизни, Барби должна отыскать ту девочку, которая в своё время играла с ней. Ведь только обретя снова связь с детским воображением, можно вернуть утраченную силу радости и мечты.

С невероятной преданностью Кен отправляется вместе с Барби в реальный мир, дабы помочь ей в поисках девочки и её прежнего сияния. В Лос-Анджелесе он сталкивается с патриархальной системой и жестокой реальностью взрослого мира, что вносит серьёзные изменения в его сознание. Понимая, что несправедливости встречаются повсюду, Кен решается вернуться в Барбиленд и привнести там необходимые реформы, чтобы каждый имел право на свою собственную сказку.

Таким образом, встретившись с девочкой, которая когда-то играла с Барби, и смогли вернуть себе частичку волшебства и доброты, и объединившись с Кеном, который осознал важность равенства и справедливости, Барбиленд снова стал местом, где сбываются мечты, но теперь с пониманием реального мира и его тонкостей.

С момента начала разработки фильма о «Барби» в 2009 году компанией Mattel и киностудией Warner проект прошел через множество сценаристов и режиссеров. Но когда дело дошло до комедии с Эми Шумер, она была приостановлена перед началом производства. Однако, взглянув назад, становится очевидно, что нашлась идеальная кандидатура для режиссерского поста - Грета Гервиг. Авторка фильмов «Леди Берд» и «Маленькие женщины», она расшифровала секреты массового феминистского кино и обратилась к самым чувствительным сторонам зрителей, особенно к тем, кто идентифицируется с женским полом. Даже в мире большого студийного кино, где корпорации стремятся выжать последние капли человечности из фильмов, превращая их в стерильные продукты, Гервигу удалось сохранить ту неидеальность, которая присуща человеческой душе.

«Барби» стала маленькой, но заметной победой для независимых режиссеров в мире большого кино, идеально совместив студийную цензуру и уникальные идеи, обитающие в маленьких инди-фильмах.

«Барбиленд» - это мир полного противоположности современной реальности, где матриархат правит, а агрессия и депрессия словно чужды. Однако, когда Барби оказывается в настоящем мире, она сталкивается с экзистенциальным потрясением и впервые испытывает горькие слезы. В то время как Кен, напротив, находит в патриархальной системе шанс вырваться из тени Барби и вдохновляется этой возможностью.

Принося маскулинные идеи обратно в «Барбиленд», Кен неожиданно погружает идеальный пластиковый мир в хаос. В этой схватке между Кеном и Барби, Грета искусно использует куклы, чтобы наглядно показать, как перевес силы может нанести урон обществу. Но, увы, даже такое подробное объяснение простой идеи не принимается всем, как показывает реакция на защиту прав Кена в сети. Причудливо, что те же люди, которые возмущаются положением Кена в «Барбиленде», сами критикуют внешность Марго Робби, подкрепляя тем самым выводы, сделанные Гервиг в своем фильме.

Этот противоречивый контекст ставит зрителей перед зеркалом, побуждая задуматься о собственных убеждениях и двойных стандартах. «Барбиленд» становится не только историей о соперничестве Кена и Барби, но и глубоким рассмотрением общественных проблем и стереотипов, которые с ними связаны. Грета Гервиг умело провоцирует дискуссии и заставляет зрителей задуматься о мире, в котором мы живем, а это делает фильм по-настоящему ценным и запоминающимся.

Фильм щедр на мета-иронию, и герои с удовольствием высказывают комичные ремарки о том, что Барби (сыгранная Марго) явно не идеальна для роли настоящей «Барби», таким образом, положив точку в бесконечных интернет-спорах. Грета Гервиг искусно использует прямолинейность и вычурность кэмп-эстетики, которая безупречно вписывается в яркий мир «Барби». Она превращает фильм в настоящий феминистский манифест, сопровождая его музыкальными номерами и блестящими костюмами.

Как и в её предыдущих работах, Гервиг заряжает зрителей любовью к женщинам, напоминая как Барби, так и Кенам, и всем остальным, что важно быть собой, независимо от всех внешних ограничений и стереотипов. Она искренне подчеркивает, что быть достаточно хорошим – это быть просто достаточным. Все это вдохновляет зрителей и заставляет искать людей в худи с надписью "I'm Kenough" в своем районе, сознавая свою индивидуальность и принимая себя такими, какие они есть.

Огромную работу воплотила в жизнь художница-постановщица Сара Гринвуд, создавая внимательно проработанный мир Барби, который пробуждает воспоминания у всех, кто держал эту куклу в своих руках в детстве. Грета Гервиг следит за каждой деталью, стремясь к аутентичности: от изогнутых стоп Марго Робби до угловатых движений актеров. С первых же 15 минут фильма зрителей окунут в воспоминания о приятных ощущениях, связанных с игрой с Барби.

Пластиковый мир оживает на экране, и каждый его момент резонирует у зрителей с их собственными воспоминаниями, исполняя мечты детства для многих. Каждая деталь созданного мира дотошно передана, и это помогает зрителям вспомнить чудесные моменты, проведенные с любимой куклой. Фильм становится настоящим возвращением в ностальгическое прошлое, позволяя всем окунуться в мир детства и снова почувствовать радость от игры с Барби.

Марго Робби оказалась удивительной Барби, которую можно было только мечтать увидеть на экране, несмотря на критику интернет-цензоров. Её чуткий и мастерски исполненный перформанс в сочетании с взрывным комедийным талантом оставляют всех безмолвными. Актер Райан Гослинг, несомненно, транслирует бесконечную энергию в роли Кена, позволяя своему персонажу второго плана проявить себя на полную катушку, а в некоторых сценах даже закутаться в одеяло.

Слухи о возможной номинации Марго Робби на «Оскар» имеют все шансы сбыться, и в этом году Дэниэл Дей Льюис был бы единственным конкурентом, но он ушел в отставку, так что горизонт перед Робби ясен и светел. Её талант и умение преображаться в роли Барби непременно оставят след в истории кинематографии, и заслуженно.

«Барби» — это кинематографический манифест о жизни женщины в патриархальном обществе, воссозданный в двухчасовом монологе и периодически прерываемый рекламными вставками от компании Mattel. Этот кэмповый, инклюзивный и трогательный фильм, благодаря грандиозной маркетинговой стратегии, подарил зрителям возможность устроить себе настоящий праздник: насладиться одеваясь в розовое и наслаждаться каждой минутой просмотра.

Превзойдя все ожидания, «Барби» с легкостью справился с задачей удержать высокий уровень хайпа, который возник вокруг этого фильма. Он заставил нас смеяться и плакать, позволил временно уйти от реальности в мир красочных костюмов и сказочных моментов. Однако, вернувшись в реальный патриархальный мир после просмотра, зрители оставили кусочек тепла в своих сердцах и мелодию песни Кена в своих головах, что стало подарком от этой особенной киноленты.

Путешествие Майлза Моралеса в мир приключений переходит на новый уровень –– здесь найдется еще больше динамики, еще больше паучьих героев и еще больше впечатляющих комиксов.

Майлз Моралес уверенно носит свой супергеройский костюм и бесстрашно спасает Нью-Йорк от преступников. Однако, иногда бремя героя мешает ему реализовывать себя в повседневной жизни, и в его семье, связанной с Человеком-пауком, возникают напряжения. Ситуация становится еще сложнее, когда Майлз сталкивается с загадочным Пятном, а еще более запутанной –– когда его возлюбленная, талантливая барабанщица Гвэн Стэйси, возвращается из другого измерения и затягивает молодого паучка в совершенно новое приключение.

В мире супергероев произошло захватывающее событие, которого никто не ожидал. В то время, когда Marvel привлекала внимание киноманов своим грандиозным Человеком-пауком, Sony Pictures в 2018 году представила своего собственного радиоактивного мутанта – анимационный фильм, который мгновенно стал гордостью жанра. Изначально недооцененный «Через вселенные» превратился в главное паучье шоу на экране. Этот мультфильм казалось бы завершал двадцатилетний цикл комиксовых адаптаций, возвращаясь к истокам: от реалистичных фильмов обратно к ярким и пестрым картинкам, где герои и злодеи сражаются в эпических баталиях. Все вокруг сверкало, было полно энергии и невероятного темпа, не давая нам даже мгновения отдохнуть или понять, почему любимый супергеройный мир зашел так далеко. В этом анимационном произведении Человек-пауку было мало Нью-Йорка: он отправлялся искать себя в новых местах, преодолевая подземные туннели и взбираясь на высоты небоскребов. Мы поняли, что 15-летний Майлз Моралес, а также его талантливые сценаристы, предпочитают приключения в мультивселенной – идеальном месте, чтобы собрать всех пауковых героев вместе.

Сиквел неожиданно поднял ставки – ведь в мире сотни тысяч видов пауков, так почему бы им не разнообразиться и здесь: забавная команда из первого фильма, включающая аниме-версию Пенни Паркер, комического Свин-паука, угрюмого Паркера и великолепного нуарного Человека-паука 30-х годов, была заменена целой армией пауков. Взгляд бегает от фауны, созданной в пространственной паутине: здесь мы видим брутального Человека-паука 2099 в стильной экипировке (с голосом Оскара Айзека), Гвэн Стэйси, ставшую героиней, беременную Женщину-паука, и даже панковского Человека-паука в духе Sex Pistols. Не говоря уже о потрясающем появлении индийской версии Питера Паркера – Павитры Прабхакара, который перебирается по паутине в будущем Мумбаи. Режиссерская троица мультфильма – Жуакин Душ Сантуш, Кэмп Пауэрс и Джастин Томпсон (каждый из них может быть представлен как отдельный паук) – уже стала неотъемлемой частью истории супергеройского жанра: они окончательно превратили мультивселенную из модной фишки и сладкой ваты для фанатов в своеобразную рассказовую витиеватость. Авторы не только мастера пересмотра (такого «Паука» вы еще не видели), но и настоящие анархисты, пытающиеся пропитать фильм энергией со всех сторон: что-то в этом мире следует правилам кино, особенно в плане композиции и монтажа внутри кадра, что-то прямо-таки повторяет язык комиксов, будь то вспышки ярких цветов или героические позы, а что-то даже напоминает зоотроп – ведь движение кружащихся образов в кольце является причиной того, что киноэффект происходит с нами.

В этой паутинообразной живописи, в ошеломляющем визуальном хаосе, где мы проводим два часа, прыгая через порталы, нанося сокрушительные удары, сплетая паутину и окунаясь во все возможные цветовые схемы, есть некая первобытная привлекательность аттракциона. Общение между «Человеком-пауком: Через вселенные» и зрителями происходит только на языке чрезмерности и многообразия, в кодировке мультфильма через вторичные образцы комиксов и мультсериалов – здесь присутствует множество пастиша, насмешек и стилистических игр, которые перекликаются от нелепых анимационных сериалов о Пауке 70-х годов до имитаций комиксов в формате одиночных выпусков, блестящих суперкроссоверов и видеоигр. Стиль второго «Человека-паука» – это совокупность всех стилей, связанных липкими паучьими нитями.

На этот раз произошли некоторые изменения: в мультфильме появилось значительно больше лирических моментов, Гвэн Стэйси стала центральным персонажем, и ее конфликт ничуть не уступает проблемам, с которыми сталкивается Моралес. В кадре также появилось еще больше неоновых всполохов, хотя теперь эта вспышка красок разворачивается в штабе Человеков-пауков. Наблюдать, как дружелюбный супергерой вступает в схватку с Пятном, устраивая хаос в супермаркете, безусловно, намного интереснее, чем снова и снова проживать ту же драму взросления и осознания супергеройской ответственности. Однако вместе с тонкостями и продолжительной длительностью «Человек-паук: Через вселенные» представляет собой настоящий поток креатива, панк-рок из мира комиксов, который питается беспрерывно и выражает уважение к графической культуре: от эскизов эпохи Возрождения до легендарных персонажей Джека Кирби.

Противостоящий преступный синдикат «Мантикора» полностью уничтожил независимую организацию «Цитадель». Единственному выжившему агенту Мэйсону Кейну (Ричард Мэдден) удалось остаться в живых, однако он потерял свою память и претерпел полную трансформацию. Через восемь лет ему придется восстановить свою идентичность в мире шпионажа и воссоединиться с коллегой из «Цитадели» Надей Синх (Приянка Чопра Джонас).

С производственной точки зрения, управление «Цитаделью» - новым проектом стрим-сервиса Prime Video, огромным тяжеловесным чудовищем, действительно вызывает немалые трудности. Предсказать реакцию аудитории сложно: опираясь на опыт прошлогодних «Колец власти», нельзя всегда полагаться на высокие показатели. Неизвестно, будут ли зрители заинтересованы в просмотре и последующем обсуждении сериала. Однако, благодаря братьям Джо и Энтони Руссо (режиссеры «Мстителей» и драмы «По наклонной»), которые являются продюсерами сериала, все вопросы и просьбы имеют ответы. Эти талантливые сторонники искусственного интеллекта предлагают искушенному зрителю интенсивный и мощный экшен, который мчится по экрану со скоростью вируса, хотя выдается во второстепенном обличии.

Мэйсон и Надя, главные герои шоу, выглядят великолепно и виртуозно сражаются, их связь простирается за рамки профессионального отношения. Действие разворачивается на скоростном поезде в Италии, где русский террорист перевозит опасный материал (как в известной сцене с паспортом Фомы Киняева из фильма «Идентификация Борна»). Злоумышленник быстро нейтрализован, но вскоре становится ясно, что операция была хорошо спланирована. Поезд подвергается взрыву, и Мэйсон с Надей чудом оказываются в воде, но после выхода из нее они обнаруживают, что потеряли память по специальной амнезии, предусмотренной для ситуаций крайней опасности, и такая судьба постигла всех агентов «Цитадели». Скоро они узнают, что загадочный альянс начинает систематическое уничтожение всех членов организации, оставив в живых только Мэйсона и Надю, которые не помнят о своём прежнем знакомстве.

Мифология «Цитадели» имеет интересное начало, однако практически не развивается. Стэнли Туччи в роли технического помощника быстро вводит неориентированного Мэйсона в суть дела и рассказывает историю организации, основанной в 1930-х годах, которая стремилась сохранить независимость от ЦРУ и других спецслужб. Он заверяет Мэйсона, что он всё помнит и теперь должен спасти мир. На противоположной стороне находится «Мантикора» - относительно молодая радикальная группировка, возглавляемая послом Великобритании в США Далией Арчер (при участии номинантки на «Оскар» Лесли Мэнвилл, впечатляющей всем своим присутствием). За шесть коротких серий «Цитадель» включает в себя все стереотипы современных шпионских триллеров: ядерные коды, мелькающие флешбэки, нелепые шпионские технологии и даже неуклюжую компьютерную графику. Создатели утомительно шутят, предлагая абсурдные задачи и фантастические решения, пытаясь увлечь зрителя, но при этом они неуклюже манипулируют жанровыми особенностями, нажимая на все кнопки сразу.

Сценарий «Цитадели» написан Дэвидом Уэйлом, известным по своему сериалу «Охотники», который однажды вызывал интерес идеей воскрешения Гитлера, но не смог добиться успеха. Режиссером является Томас Сигел, ранее работавший оператором на фильмах «Люди Икс» и «Богемская рапсодия». Технические навыки у него безусловно присутствуют, но с драматургией возникают трудности. Каждый из персонажей оказывается предателем и родственником кого-то другого, в этом «Цитадель» напоминает худшие черты бразильских или турецких мелодрам, уступая им даже в искренности. Однако, в качестве проб Ричарда Мэддена в роли потенциального следующего Джеймса Бонда, «Цитадель» справляется гораздо успешнее. Также стоит отметить индийское достижение Приянки Чопры, которая добилась равной оплаты труда на съемках сериала. Зрителям обещают продолжение истории (сериал «Цитадель» уже продлили на второй сезон и запланирован международный спин-офф «Диана»), но не факт, что с течением времени аудитория будет помнить о существовании этого сериала, ведь амнезия, которая так активно присутствует в сериале, не случайна - память стирается у всех и каждого.

Люк Брюннер, известный также как Шварценеггер, является одним из агентов ЦРУ. В процессе своей операции он случайно раскрывает тайну: его дочь Эмма, исполняющая роль Моники Барбаро, также работает в спецслужбах, но держит это в строжайшей тайне от своего отца. Теперь, они вынуждены объединить усилия и спасать мир вместе, решая одновременно неразрешенные семейные конфликты и проблемы, которые скопились на протяжении многих лет.

Арнольд Шварценеггер, который в возрасте 75 лет все еще остается непобедимым героем на экране, решает погрузиться в новое творческое приключение, исследуя мир потокового телевидения. Он берет за основу сюжет знаменитого фильма «Правдивая ложь» от Джеймса Кэмерона и создает шумную и захватывающую шпионскую сказку под названием «Фубар» для Netflix, воссоздающую атмосферу 1990-х годов, но с современными штрихами. В этом проекте можно встретить идиотические моменты и порой разжиженный юмор, но он всегда искренен и целебен в своей наивности.

Люк Брюннер, австрийский герой нашей истории, в возрасте 65 лет не знает понятия «невыполнимая миссия». Пенсию он откладывает на потом, так как хитроумные враги по всему миру не дают ему покоя. Однако его семья ничего не знает о его секретной деятельности. У его бывшей жены Талли появился новый партнер, а его дочь Эмма пытается наладить отношения со скромным и скучающим Картером.

Во время своей поездки в Южную Америку, где он собирается встретиться с могущественным наркобароном по имени Боро, Люк замечает Эмму, которая уже внедрилась в преступное окружение злодея. Шокированный отец и дочь вынуждены объединить свои усилия и продолжить операцию по ликвидации Боро, но вместе с этим они начинают обвинять друг друга в недоверии, испорченном детстве, непрошеных советах и других знакомых каждому предубеждениях и даже травмах.

Важно отметить, что в данном шоу глубокое погружение в психологию персонажей происходит редко и мимолетно. Однако ценители смогут ощутить эволюцию персонажей на своем уровне. Главный акцент создателей шоу, таких как Ник Сантора (известный по работе над «Ричером» и «Скорпионом»), и его соавторов, сделан на забавный экшен, широкую географию (от Казахстана до Молдовы, России и вымышленной страны Сардовии) и изобилие утомительных шуток, которых иногда становится слишком много.

Возможно, есть вероятность найти метафоры и символы в сериале, но в целом персонажи и их действия неотделимы от стереотипов боевиков второго класса. Уничтожение террористов чередуется с личными проблемами, расставаниями и болезнями близких, подчеркивая, что сочетание личной жизни и профессиональных обязанностей сложно, особенно когда они сталкиваются друг с другом.

Не стоит рассчитывать на оригинальность в начальных данных, однако потраченное время оправдывается неуязвимым Шварценеггером, который вспоминает свою молодость. Хотя во многих сценах актера явно заменяют дублеры, лицо бывшего губернатора Калифорнии и Мистера Вселенная остается знакомым и уверяет нас в позитивном исходе. Шварценеггер вновь проявляет себя как комик, ласково ругается и шутит над дочерью, ведет разговоры с терапевтом в надежде понять своего ребенка и делает отсылки к фильму «Близнецы» с Дэнни Де Вито - в общем, он чувствует себя великолепно. Моника Барбаро, известная по фильму «Топ Ган: Мэверик», проявляет серьезность и не пугается перед легендой, обеспечивая себе успешное будущее на экране. В роли главного антагониста Боро выступает Габриэль Луна из фильма «Одни из нас» - коварный злодей с личными мотивами, но быстро становится жертвой отважных героев.

Сериал «Фубар» безусловно растянут: как по сюжету, так и технически, история не оправдывает восьмичасового формата серий, несмотря на приливы ностальгии. Тем не менее, Netflix хорошо знает свою аудиторию и использует Шварценеггера как приманку из беззаботного детства. Это может быть меркантильным и даже бессердечным, но «Фубар» сохраняет свой интерес и напоминает о важности диалога. Таким усилиям уже можно выдать индульгенцию и оценить минимальным похвалой.

В заключительной части третьего сезона, Том (Мэттью МакФэдиен) предал Кендалла (Джереми Стронг), Шив (Сара Снук) и Романа (Киран Калкин), предоставив помощь Логану (Брайан Кокс) в предательском заговоре, который лишил их возможности противостоять продаже семейной империи Waystar RoyCo. Спустя полгода, брак между Шив и Томом оказался на грани распада, но Шив стала еще ближе к своим братьям. Трио смирилось с поражением и начало разрабатывать амбициозные планы - создание медиа-стартапа с использованием вырученных миллиардов от продажи компании. Однако, как только появился шанс поставить своего отца на место, дети снова вступили в игру.

Признаться откровенно, четвёртый и последний сезон «Наследников» изначально вызывал разочарование. Сюжет казался застрявшим в бесконечном круге оскорблений, интриг и предательств. Кендалл продолжал совершать неловкие поступки, Шив втихаря занималась своими делами, Роман шутил пошлости, а Логан горячо произносил своё фирменное «fuck off». Даже начало сезона, где троим детям предоставилась возможность стать прямыми конкурентами Логану, быстро превратилось в обычную борьбу за внимание отца, что стало типичным для сериала. В этот раз Романа заинтересовали, намекнув, что место главы компании всегда было зарезервировано именно для него. Раньше показалось, что создатели топчутся на месте, но теперь стагнация стала гораздо более заметной, особенно с учетом приближающегося грандиозного финала. И затем случилось то, что радикально изменило динамику четвёртого сезона - Логан Рой умер.

Создателям сериала, особенно шоураннеру Джесси Армстронгу, стоит только поаплодировать за способ, которым они решили удалить патриарха семейства и главу Waystar RoyCo. Здесь не было никаких старых заезженных трюков с неожиданными сюжетными поворотами или клиффхэнгерами, предвещающими конец. Вместо этого мы получили еще одну болезненную свадьбу и утомительное ожидание, чтобы узнать, сможет ли Логан выбраться из этой ситуации. Он не смог и умер, причем его смерть была максимально лишена кинематографичности и величия: без последних слов, вдали от своей семьи и полностью уязвленным. Но перед тем, как уйти, патриарх успел сказать своим детям одни из самых важных слов: это не были слова любви, а скорее приговор - «вы несерьезные люди». Конечно, теперь легко говорить, что смерть Логана была предопределена - ведь начало сериала было связано с его инсультом, и само название намекало на то, что главный герой покинет сцену. Тем не менее, решение оставить это событие на четвертый сезон выглядит очень смелым - ведь немногие предполагали, что истинные «Наследники» начнутся так поздно.

Восьмая серия, начиная с смерти Логана и заканчивая финалом, не только преобразила четвёртый сезон, но и подтвердила статус «Наследников» как главной драмы современности. Просто взгляните на это: каждый эпизод следовал за другим, представляя нам великие события - смерть Логана, скандинавский ретрит, презентация Living+, предвыборная вечеринка, выборы президента США, похороны Логана, заключение сделки с Gojo и объявление нового CEO. Это было невероятно насыщенно событиями, и, вероятно, невозможно превзойти в будущем пятом сезоне. Да и продолжение просто не имеет смысла - «наследие» разделено. Самый трудолюбивый и находчивый, Том, наконец-то стал главой компании. Забавно, что его фамилия всегда была спойлером - оказывается, Том был назван в честь бейсболиста, который сумел выбить из игры троих соперников одновременно. Шив, которая всегда не выносила свою мать, теперь стала ее отражением: трофейной женой для CEO. Роман, наконец, освободился из золотой клетки и признал, что дети Рой ничтожны. А Кендалл, несмотря на свои попытки стать копией отца, так и не смог выйти из его тени. Остаются только одиночество и прогулки с охранником Логана.

Поразительно, что создатели сериала не стали обманывать зрителей, подобно шоураннерам «Игры престолов», а просто предложили нам справедливое и логичное завершение истории. Теперь, когда наследник Логана определен, главный вопрос, который остается, - это какое место «Наследники» займут в пантеоне телевизионных сериалов и как мы будем вспоминать их в будущем. Похоже, что HBO, которая одновременно отправила в покой «Наследников» и «Барри», и переживает ребрендинг своего стримингового сервиса Max, завершила еще одну важную главу в своем развитии. Кто знает, может ли у канала появиться в ближайшие годы еще один действительно выдающийся сериал? Несмотря на все уважение, «Одни из нас» и «Дом Дракона» пока не достигают этого статуса.

Говоря о сериале «Наследники», за четыре сезона было сказано множество вещей. Их описывали как «шекспировских» и «макиавеллических», сравнивали с «Игрой престолов» и «Дэдвудом», определяли его жанр как сатиру и трагедию. Однако, если сейчас, основываясь на свежих впечатлениях, попытаться оценить весь сериал в целом, то будет правильным назвать его наследником, кхм, «Сайнфелда», произведения Джесси Армстронга (который, между прочим, является сценаристом комедийных сериалов «Пип-шоу» и «Гуща событий»). Великий ситком «ни о чем» был посвящен циничным персонажам, которые не учились и не обнимались, постоянно ссорились между собой, разрушали жизни окружающих, а в конце получали заслуженное возмездие. «Наследники» сделали шаг в сторону объятий, но в целом тщательно следовали духу ситкома. Вместо нью-йоркских эксцентриков и невротиков, в центре истории оказались корпоративные акулы и, конечно же, эти «несерьезные люди». Это просто дети, которые так и не выросли, всю жизнь ожидая обещанной короны, но получили вместо нее лишь гору эмоциональных проблем и психологических травм.

В постапокалиптическом мире, населяемом десятью тысячами людей, существует колоссальный бункер, спускающийся на глубину 144 этажей. В убеждении жителей заложена вера в уничтоженный мир, где воздух загрязнен и пребывание на поверхности стало смертельной опасностью. Жители принимают установленные правила без возражений, ведь главным среди них является запрет на покидание безопасного пристанища и обязанность трудиться для его благосостояния.

Основываясь на книжном цикле Хью Хауи под названием «Укрытие», впечатляющие в масштабах и дизайне сети, но, самое главное, ошеломляющей энергией неустанного проповедника, который старается привлечь внимание толпы и предупредить о наступлении Апокалипсиса. В других обстоятельствах такая ситуация могла бы быть названа «распальцовкой», однако здесь, в этих реалиях, возможен спокойный и разумный диалог прямо с аудиторией. В то же время, нам говорят, что контролируемое будущее, которого боятся многие представители человечества, уже наступило давным-давно, просто приняло несколько другие формы, напоминая о себе здесь впечатляющим образом.

В Укрытии жизнь управляется Уставом, Законниками и Основателями. В этом месте запрещено использование лифтов и эскалаторов, а только избранным парам разрешено иметь детей. Иерархия в Укрытии стандартная: верхние этажи принадлежат управляющим и элите, средние — среднему классу, а на дне находятся рабочие и механики, необходимые для поддержания работы бункера. В столовой показываются изображения внешнего мира, уничтоженного каким-то катастрофическим событием, о котором жители Укрытия ничего не знают. Любой запрос о выходе из Укрытия должен быть согласован в соответствии с Уставом. Несмотря на полную защиту, жители не в состоянии продержаться в отравленном воздухе больше нескольких минут, после чего их неподвижные тела в скафандрах становятся частью общего фона.

Сериал начинается с трогательной истории местного шерифа Холстона (Дэвид Ойелоуо) и его жены Эллисон (Рашида Джонс), которые, пытаясь забеременеть, постепенно сталкиваются с пугающей стороной жизни в Укрытии, где ложь тесно переплетена с реальностью. Внимание затем переключается на Джульет Николс (Фергюсон), инженера, ответственного за основной генератор, который обеспечивает тепло и свет в жилых отсеках. Еще с детства женщина добровольно оставила комфорт верхних этажей, отвергнула своего отца, врача, и отправилась к настоящим мастерам своего дела. Однако ей придется вернуться в свое прежнее окружение, так как загадочная серия убийств влиятельных людей в бункере, с которыми Джульет непосредственно связана, становится объектом расследования.

Грэм Йост, шоураннер и сценарист проекта, предыдущие работы которого включают культовый боевик «Скорость» с Киану Ривзом и сериал «Правосудие», создал максимально доступную и радикальную адаптацию «Укрытие». Этот сериал напомнит зрителям о классических антиутопиях (от Оруэлла и Замятина до «Голодных игр» и «Платформы»), но в основном избегает клише и тривиальностей, поражая эмоциональным подходом. Персонажи вызывают интригу, их дилеммы завораживают и отражают ситуацию многих людей. Однако самым трудным будет для тех зрителей, у которых не хватит времени на 10-часовой просмотр: «Укрытие» может показаться затянутым и слишком сложным для некоторых. Одним из явно выдающихся эпизодов будет починка главного генератора в третьей серии - хотя мы видели подобные сцены много раз, здесь она выполнена с блестящим профессионализмом и истинным голливудским размахом.

После успеха «Дюны» Ребекка Фергюсон, кажется, нашла свою удобную зону в научной фантастике: ее персонаж Джульет всегда в движении, а ее внутренние страдания представляют собой совокупность травм и разочарований. Шведской актрисе компанию составляют актеры разного калибра (вернувшийся из тени оскороносец Тим Роббинс, время от времени сдержанный рэпер Коммон), которые, так же как и зрители, увлечены тем, что происходит на экране. Исходя из книг Хью Хауи, поклонникам, похоже, предстоит еще несколько сезонов — и только Apple TV+ с радостью примет это, продолжая находить и выражать всеобщие темы, где бы вы ни находились: под землей или временно на поверхности.

Похоже, что даже самые отдаленные от мира Warhammer 40,000 игроки были поражены, когда объявили о выходе Warhammer 40,000: Boltgun. Комментарии к дебютному трейлеру на канале Focus Entertainment кипят от восторга, любви и похвал Богу-Императору. Этот классический шутер в стиле Quake и Doom явно превзошел все ожидания! Неужели это тот геймплей, о котором мечтали фанаты Warhammer и всех кровавых игр в целом?

И чтобы не мучиться в ожидании: да, оно того стоило. Игра, безусловно, превзошла все ожидания.

Сюжет Warhammer 40,000: Boltgun можно назвать крайне простым. Вы воплощаете в себе бронированного космодесантника, и вы мастерски выполняете свою задачу безошибочно. Ваша миссия - устранять ересь и всех тех, кто по глупости решает противостоять вам. Вы просто следуете геройскому приказу: достигнуть цели и считать всех, кто стоит на вашем пути, врагами, которых следует уничтожить.

Конечно, для фанатов Warhammer 40,000 игра предложит гораздо больше, чем простая начальная сюжетная завязка: отсылки, знакомые персонажи, о которых будет упоминание... Но даже если вы не знакомы с глубокой историей, это не проблема. Вы - машина смерти, способная уничтожать врагов как в ближнем бою, так и с помощью восьми орудий. И вы далеко не молчаливый. Ваш космодесантник способен произносить эпические фразы, которые внушают ужас в сердца врагов.

Сюжет в Warhammer 40,000: Boltgun занимает второстепенное место. И, конечно, графика тоже не является главным фокусом игры. Мир в игре, конечно, атмосферен (включая музыку и звуки), и на свой уникальный способ красив. Однако вы пришли в Boltgun не для кинематографических визуальных эффектов, которые максимально используют мощности современных консолей и компьютеров!

В этом отношении все осталось по-старому. И это создает уют. В настройках есть регулятор, который позволяет сделать шутер максимально пиксельным (или наоборот, «улучшить качество» изображения). Таким образом, вы можете видеть игру с ее стандартными настройками и наслаждаться пиксельным стилем.

Самые яркие эмоции, как положительные, так и не очень, доставляет геймплей в Warhammer 40,000: Boltgun. Он невероятно динамичный и позволяет почувствовать себя непобедимым, даже просто идя по уровню. Как приятно быть не просто страшным монстром, но самим ужасом в глазах еретиков, которые пытаются сопротивляться, иногда даже с некоторым успехом.

Геймплей в Warhammer 40,000: Boltgun прост и знаком. Вооружаемся, экипируемся, уничтожаем врагов. В самом начале мы сражаемся только в ближнем бою, но всё меняется, когда мы находим болтер - именно тот «Boltgun», который назван в названии шутера. Это оружие делает нас почти непобедимыми на протяжении большей части игры. Однако в коллекции героя окажутся ещё семь видов оружия (и три типа гранат). Здесь вы найдете и стандартный дробовик с плазмомётом, и тяжёлый болтер, который не требует перезарядки, и смертоносные мельта-ружьё и гравипушка, способные нанести сокрушительный урон.

Чем более мощное оружие, тем оно обладает меньшим запасом патронов и тратится быстрее. Поэтому в большей части игры мы будем полагаться на первые четыре оружия, которые легко справляются с большинством противников. Особенно если мы обнаружим секреты на уровне, способные усилить конкретное оружие.

На локациях Warhammer 40,000: Boltgun находятся различные предметы, до которых добраться может быть непросто (в конце концов, их нужно найти). Но если вы обнаружите один из них, ваша жизнь значительно облегчится, по крайней мере на ближайшие 30 секунд. Эти секреты - или, можно сказать, бонусы - могут увеличить ваш урон, пополнить запас патронов или даже временно предоставить вам бесконечные патроны, а также максимальный уровень брони... Или скорее, презрения.

Конечно, презрение и здоровье можно найти случайно или путем уничтожения врагов. Однако приятно, когда броня усиливается непосредственно во время боя, а не после него. К сожалению, некоторые секреты открываются лишь после схватки. Но когда ты случайно обнаруживаешь что-то невероятное и важное именно в решающий момент финальной битвы, она превращается в настоящую резню, где ты сам становишься мясником.

Суть игры заключается в прохождении коридоров (с присутствием врагов, поиском ключей и ловушками) и достижении больших арен, где нас ждет еще большее количество врагов и, конечно же, боссы. Касательно арен нет сомнений - чем они масштабнее, тем лучше. Они предоставляют достаточно места для прыжков на дальние расстояния, возможности забраться выше и укрыться от вражеских выстрелов. На самом начале эти навыки могут показаться ненужными, но по мере развития в Boltgun они становятся необходимыми, заставляя игрока прыгать вдали, искать случайные выступы, непрерывно менять траекторию движения, чтобы избежать пуль, и постоянно использовать различное оружие.

Тем не менее, в некоторых местах карта очень пригодилась бы. Иногда поиск дальнейшего пути занимает больше времени, чем сражение. Особенно разочаровывают боссы, ставя игрока перед трудными испытаниями.

Прежде всего, в игре присутствуют всего лишь три-четыре босса, и они повторяются. Когда впервые сталкиваешься с первым боссом, ты быстро понимаешь, что умираешь слишком часто. Ты искренне боишься услышать его дыхание поблизости. Тем более, вокруг полно прочих врагов, и первоочередная задача - не умереть от их атак... Но после многих попыток босс наконец падает. Второй босс кажется слабее первого, а третий - слабее второго. И всё начинается заново. Со временем дыхание боссов, когда-то столь пугающее, вызывает лишь мысли вроде: «Ага, он снова сходит слева... Перехвати гранату и прощай, слабак!»

Другая ситуация с обычными врагами. Их здесь намного больше, и в конечном итоге именно они могут вызвать наибольшее беспокойство. Некоторые нападают ордами, другие сами по себе сильны. Кто-то ближнего боя падает от одного выстрела болтером, другие предпочитают держаться на расстоянии, а третьи способны атаковать как снарядами, так и в ближнем бою. А есть такие, которые подкрадываются сверху...

По мере приближения к концу игры, каждый игрок обнаружит своего настоящего архинеприятеля, который станет главной причиной смерти. В моем случае это воскрешающиеся чемпионы, бросающиеся на тебя со всех ног и оставляющие мало шансов на выживание, когда подбираются вплотную. Но самое ужасное - когда, едва дыша и оставаясь на грани смерти, удаётся убить такого соперника и внутри ты задаешься вопросом... Возродится ли он, чтобы снова сеять разрушение и ад?..

В сражениях с множеством врагов Warhammer 40,000: Boltgun ни на секунду не разочаровывает. Они радуют, когда уничтожаешь своих противников. Они радуют, когда находишь эффективные тактики против них. Они радуют, когда обнаруживаешь новое оружие и осознаешь его невероятную мощь! Они радуют, даже когда с остаточным здоровьем удается пройти сквозь силы Хаоса и достичь конца уровня!..

А вот о самых уровнях. В игре Warhammer 40,000: Boltgun нас ожидают три главы, состоящие из восьми уровней каждая. Каждый уровень завершается дверью, ведущей дальше. На первый взгляд, кажется, что их немного. Однако разработчики справедливо обещают около 10 часов геймплея. Конечно, продолжительность может варьироваться в зависимости от выбранной сложности.

Я бы не рекомендовал начинать игру на чем-то ниже высокого уровня сложности. Даже на самой высокой сложности первая половина игры может показаться довольно легкой. И Boltgun - это одна из тех игр, в которую хочется продолжать играть и двигаться все дальше и дальше, если бы только было возможно! К сожалению, ничто не вечно. Даже если вы решите сыграть на уровне сложности «Экстерминатус», не переживайте: в настройках есть режим неуязвимости, если ситуация станет слишком тяжелой.

Однако, поверьте, пройти Warhammer 40,000: Boltgun без посторонней помощи намного более удовлетворительно, чем искать легкие пути.

Из года в год компания «Дисней» неустанно повторяет свои собственные анимационные шедевры, которые занимают особое место в детстве большинства миллениалов. Однако цель этого мероприятия далеко не благородна. «Дисней» продает ностальгию по выгодным ценам, манипулируя ожиданиями зрителей, но редко их оправдывает. Live-action ремейки, как самостоятельные художественные произведения, обычно неудачны и просто механически следуют оригиналу, покадрово повторяя знаменитые сцены из мультфильмов. В последние годы формула успеха «Диснея» работает все хуже: новые адаптации «Пиноккио», «Мулан» и «Питер Пэн» не оправдывают ожидания зрителей и получают низкие рейтинги. Несмотря на это, машина по производству контента продолжает контролировать мировой кинопрокат и, похоже, не собирается останавливаться.

Ещё задолго до начала производства фильма «Русалочка» началась волна критики. Причиной всеобщего недовольства оказался выбор американской певицы Холли Бэйли для роли Ариэль. Поклонникам оригинального мультфильма «Русалочка» не понравился цвет кожи Бэйли, который не соответствовал каноническому образу диснеевской принцессы. В какой-то степени зрительские претензии понятны — все предыдущие кастинги от студии Disney тщательно повторяли внешность анимационных персонажей, как, например, в случае с «Мулан» или «Красавицей и чудовищем». В фильме «Пиноккио» даже была создана специальная 3D-версия главного героя из мультфильма 1940 года. Однако выбор Ариэль противоречил этому подходу и частично отрицал критику предыдущих ремейков, которые обвиняли в отсутствии оригинальности. В целом он пытался внести нечто новое в любимую всеми сказку — важный социальный контекст и архетипичность женского образа, который объединяет всех независимо от расы и национальности.

Режиссером фильма «Русалочка» был назначен Роб Маршалл, известный талантливый постановщик мюзиклов, который не всегда следует требованиям аудитории. Его последний диснеевский проект, ремейк «Мэри Поппинс возвращается», не получил любви и признания. К счастью, в фильме «Русалочка» режиссер отказался от спорных анимационных вставок и не стремился буквально скопировать оригинал. Ариэль и Эрик, сыгранный звездой «Пути домой»Джоном Хауэр-Кингом, получили несколько новых песен, которые неожиданно имеют все шансы стать хитами. В целом Маршалл старался равномерно распределить время между главными героями, в отличие от оригинального мультфильма. Эрик получил собственную предысторию и даже небольшой внутренний вызов, связанный с огромной ответственностью за своё небольшое, но всё же королевство.

Холли Бэйли заслуживает похвалы за то, что она не пытается подражать классическому образу Ариэль и не производит впечатление актерской игрой, скорее своим талантливым вокалом, в отличие, к примеру, от Эммы Уотсон в «Красавице и чудовище». В целом музыкальная составляющая фильма «Русалочка» явно преобладает над сюжетной линией. Сцена с песней Себастьяна (Дэвид Диггз) «Under the Sea», с участием розовых медуз, танцующих дельфинов, сверкающих морских звезд и множества других морских обитателей, поистине претендует на звание лучшей в фильме. Неожиданным открытием стал хип-хоп-фристайл от чайки Скаттл, исполненный непревзойденной Аквафиной.

Что касается сценария фильма «Русалочка», как и ожидалось, он не предлагает ничего нового, за исключением нескольких скромных романтических моментов с главными героями. Роль Урсулы, исполненная Мелиссой МакКарти, вызывает страх лишь из-за крайне недостаточного количества времени на экране, и кажется, что она заслуживает собственного сольного выступления. По крайней мере, опыт с фильмом «Круэлла» показал, что такие собственные истории находят своих поклонников.

Среди других перезапусков от «Диснея», которые либо лишены характера (как «Мулан»), либо страдают от скучности (как «Пиноккио»), работа Роба Маршалла в фильме «Русалочка» выделяется своим необычным и порой радикальным переосмыслением персонажей. В «Русалочке» есть некоторые недостатки, о которых не хочется говорить, но в целом фильм полностью оправдывает ожидания, возвращая утраченное детство и внося некоторый контраст в известную историю. В конечном итоге, каждой девочке в этом мире должна принадлежать ее собственная ролевая модель, и Ариэль из новой «Русалочки» полностью соответствует этому статусу.

Безымянная бывшая наёмница (Дженнифер Лопес) вынуждена передать свою новорождённую дочь под опеку спецслужб. Через 12 лет ей придётся справиться с прежними врагами и спасти ребёнка от неминуемой смерти. О том, каким получился фильм «Мать» - узнаете из нашего краткого обзора.

Netflix все больше отражает реальное и возможное будущее, где даже среднестатистические личности становятся звездами при должном освещении. В фильме «Мать», двухчасовом экшене, который в большей степени лишен души, Дженнифер Лопес помогает избежать позора. Она отказывается от своего сценического альтер-эго и Бена Аффлека, чтобы вместо этого взять в руки винтовку с прицелом и отправиться на просторы Аляски. Певица с безжалостностью подходит к экшен-сценам, владеет боевыми искусствами и убивает всех врагов, но, в сущности, напоминает аниматора на детском празднике в стиле «Джона Уика». Она мать, лишенная имени и родины, но она готова на все ради своей дочери.

Женщина служила в Афганистане, где оказалась под влиянием торговца оружием и детьми по имени Эдриан Ловелл (Джозеф Файнс). После лет зависимости она решает раскрыть всю правду ФБР, но чуть не становится жертвой в открывающей сцене. В отчаянной попытке сбежать она переезжает на Аляску, где ведет скрытую жизнь, охотится на лосей и позднее даже на людей, пытаясь забыть кошмарное прошлое. Ее дочь, которой дали имя Зои (Люси Паэс), выросла в счастливой приемной семье, но вскоре вынуждена столкнуться с последствиями грехов ее биологической матери, чьи действия противоречат ее семейным ценностям.

Несмотря на заметное сходство с франшизой о Джейсоне Борне, фильм «Мать» страдает от анонимности и безразличия к происходящему. Дженнифер Лопес впечатляет своими трюками и напряженными погонями, время от времени удается передать некоторые эмоции, но она не справляется с потоком серости, который присутствует в фильме. Результатом этого смешения становится незапоминающийся сюжет, который вызывает сомнения, даже будучи простым развлечением. Режиссер Ники Каро («Мулан», «Жена смотрителя зоопарка») явно предана главной актрисе и, к сожалению, забывает остальные аспекты фильма. Винить команду сценаристов, включая Мишу Грина (автора «Страны Лавкрафта») и Питера Крэйга (сценариста «Бэтмена»), за их стремление к легким деньгам было бы неправильно, особенно во время забастовки писателей в США. Мы не хотим обвинять их в меркантильности, но смысловая составляющая фильма явно пострадала.

Как и его известному брату Рэйфу, Джозефу Файнсу теперь приходится играть карикатурных антагонистов с похожим тембром. Появление Гаэля Гарсиа Берналя продлится всего несколько минут, и он исчезнет так же нелепо, как и его персонаж Гектор с его склизкой шевелюрой, бывшим любовником Матери и партнером Ловелла, который похищает Зои. Единственным органичным элементом для Лопес станет трогательная работа Пола Рэйси в роли наставника. Появление Рэйси еще больше подчеркивает ценность работы актера в «Звуке металла», за которую он был номинирован на Оскара.

С точки зрения географии, «Мать» ограничена: фильм получил бюджет для съемок на Кубе и заснеженных просторах Аляски, включая эпичную битву на снегоходах. Фоновый саундтрек, включающий Grimes, Portishead и Кейт Буш, служит фоном, когда мать-героиня обучает Зои выживанию: установке кроличьих ловушек, правильной зарядке винтовки, попаданию в цель. Встреча двух потерянных людей окажется короткой, но трогательной, наполненной невысказанной горечью и любовью. Зрителям остается мало что сказать в итоге — сравнивать героиню с одинокой и раненой волчицей, как авторы делают в финале, не имеет смысла. Дженнифер Лопес безусловно, можете быть первопроходцем, однако не было ничего, что могло бы помешать снять клип, не тратя свое драгоценное артистическое время.