Обзоры фильмов

Два ярких кинематографических хита этого лета - романтическая комедия «Барби» и биографическая драма «Оппенгеймер», поразительно играют с ожиданиями зрителей, и на самом деле оказываются совсем не такими, какими могли показаться на первый взгляд. Если первый фильм оказался великолепным представителем жанра каминг-оф-эйдж, то второй превратился в монотонное, но захватывающее кино о рождении звезды смерти, предназначенной унести с собой десятки тысяч невинных жизней.

Роберт Оппенгеймер - выдающийся физик, мыслитель и социофоб, полностью преданный своему делу - оказал неподдельное вдохновение для режиссера Кристофера Нолана. Нолан, будучи сторонником классического подхода в эпоху высоких технологий, до сих пор снимает на пленку и настойчиво отвергает использование компьютерной графики (CGI). Его кинематографическая вселенная никогда не допускает сосуществования нескольких гениев, и поэтому автобиографическую книгу «Триумф и трагедия американского Прометея», лежащую в основе сценария «Оппенгеймера», он решил адаптировать сам.

Фильм начинается с нелинейного рассказа о жизни Роберта Оппенгеймера (сыгранный Киллианом Мёрфи), где зритель увидит его многообразные роли: от прилежного студента престижного Гетеборгского университета до преподавателя физики в Беркли, от руководителя Манхэттенского проекта до непостоянного любовника и неверного мужа, от всенародного героя до предателя родины. В конце концов, он окончательно разочаровывается в своей жизни.

Затем следует более захватывающая часть фильма, где рассказывается о создании атомной бомбы. Зрителю показаны ожесточенные притирки талантливых физиков-ядерщиков и оживленные споры великих умов в большом квадратном кабинете, где они носят безликие серые костюмы. Некоторые известные звезды Голливуда сделали свои камео-появления в этой части фильма, придавая ей особую привлекательность.

Фигура Оппенгеймера в визуальном изображении Нолана может показаться противоречивой, но на самом деле ему уделяется лишь немного времени. В фильме «Оппенгеймер» действие постоянно перемещается во времени, переходя от прошлого к будущему и обратно, и жизнь великого физика представлена фрагментарно - через яркие, но слегка приглушенные воспоминания на фоне осенних пейзажей и просторных серых лабораторий.

Хотя Нолан стремится избежать прямого цитирования «Википедии», он неизбежно использует характерные элементы жанра байопика, выделяя некоторые части жизни главного героя и игнорируя другие. В то же время, он экономит на женских персонажах, таким образом, персонаж Китти Оппенгеймер (сыгранная Эмили Блант), с постоянной проблемой алкоголя, появляется на экране всего лишь на 15 минут, а Джин Тэтлок (сыгранная Флоренс Пью), постоянно обнаженная, даже меньше. Тем не менее, чувство собственного превосходства Оппенгеймера и его рефлексивный образ мышления передаются в кадре точно и безошибочно. В значительной степени это достигается благодаря убедительной и захватывающей актерской работе Киллиана Мёрфи, который словно создан для игры психопатических личностей.

Без сомнения, Роберт Оппенгеймер был человеком, страдающим от ментальной нестабильности, и несмотря на старания Нолана морально оправдать главного героя, это вызывает сомнения. В качестве «злодея» противопоставленного «гению» Оппенгеймеру, режиссер выдвигает американского бизнесмена Льюиса Штраусса (замечательно исполненного Робертом Дауни-младшим в одной из своих лучших ролей), чье видение отображается в черно-белых кадрах.

Однако Нолану не удается достичь уровня противостояния, сравнимого с тем, что было в «Престиже», где двое явно амбициозных мужчин раскрывали свои темные стороны. В «Престиже» у персонажей Кристиана Бейла и Хью Джекмана было достаточно места для развития и раскрытия их характеров, в то время как «Оппенгеймер» иногда напоминает большую голливудскую коммуналку, где время в кадре ранжируется по степени известности актера. Например, Нату Вулфу и Джеку Куэйду достается лишь фоновая массовка, Мэттью Модайну и Гэри Олдману - пара кратких, но сильных монологов, а Дэйну ДеХаану и Рами Малеку уделяется заметное количество времени, хотя их персонажи кажутся относительно несущественными.

В фильме, несомненно, бескомпромиссно много времени уделяется атомной бомбе, вокруг которой ведутся все разговоры, а также музыке композитора Людвига Йоранссона (известного по работе над «Доводом» и «Мандалорцем»), которая создает захватывающее ощущение нарастающего напряжения. Однако, неожиданно для блокбастера лета, в фильме отсутствует экшен-сцен. Единственное исключение составляет пугающе немая сцена первого ядерного испытания «Штучки», за которой неминуемо последуют сбросы «Малыша» и «Толстяка» на японские города Хиросиму и Нагасаки.

Однако Нолан осознанно решает не показывать эту часть истории на экране, отказываясь превращать главную трагедию Второй мировой войны в яркий кинематографический аттракцион. Он предпочитает оставить эти события за кадром, чтобы не размывать важность и серьезность этого исторического момента. Таким образом, фокус остается на атомной бомбе и ее создании, а зритель может лишь представить масштаб и последствия тех событий, которые остаются за пределами кадра.

В контексте интернет-феномена «Барбигеймера», фильм Кристофера Нолана представляет собой мрачную версию Kenworld, где группа параноидальных мужчин сражается между собой, стремясь уничтожить друг друга морально и физически. В условиях радикального патриархата, разум приводит лишь к самоуничтожению, а мир превращается в тревожную и беспокойную воронку. В явном отличии от «Барбилэнда», который создан в духе радости и доверия, «Оппенгеймер» является его идеальным антиподом. Фильм создан в обстановке дефицита любви, доверия и розовых очков.

Можно, конечно, смотреть «Оппенгеймер» и без присутствия трех указанных составляющих, но в целом, это может не представлять большого интереса. Фильм оставляет ощущение тяжести и серьезности, что делает его менее привлекательным для тех, кто ищет яркие и радостные впечатления.

В райском уголке Барбиленда всё тихо и спокойно. Властью города обладают сияющие Барби, позволяя Кенам наслаждаться безмятежным пластиковым миром, где пляжные волны всегда под рукой, а дни идеально пропитаны дискотеками, танцами и роскошными костюмами – заботы смысла не имеют.

Однако, среди благоденствия, одна из Барби – Марго Робби – начинает замечать странные перемены в себе: мысли о смерти охватывают её, на ранее безупречном теле появляется нежеланный целлюлит, а самое ужасное – её красиво изогнутые ступни становятся плоскими. В поисках ответов на это необычное явление, Барби обращается за помощью к Странной Барби, которая обитает в пригороде Барбиленда и отличается от своих сияющих соседей.

Кейт МакКиннон знакомит Барби с горькой реальностью человеческого мира, где есть место несовершенствам и неизбежности старения. Оказывается, что корни всех этих изменений у Марго Робби лежат в реальном мире, куда она однажды отправилась и поиграла с маленькой девочкой, смело рисовавшей свою будущую жизнь.

Чтобы вернуться к привычной беззаботной жизни, Барби должна отыскать ту девочку, которая в своё время играла с ней. Ведь только обретя снова связь с детским воображением, можно вернуть утраченную силу радости и мечты.

С невероятной преданностью Кен отправляется вместе с Барби в реальный мир, дабы помочь ей в поисках девочки и её прежнего сияния. В Лос-Анджелесе он сталкивается с патриархальной системой и жестокой реальностью взрослого мира, что вносит серьёзные изменения в его сознание. Понимая, что несправедливости встречаются повсюду, Кен решается вернуться в Барбиленд и привнести там необходимые реформы, чтобы каждый имел право на свою собственную сказку.

Таким образом, встретившись с девочкой, которая когда-то играла с Барби, и смогли вернуть себе частичку волшебства и доброты, и объединившись с Кеном, который осознал важность равенства и справедливости, Барбиленд снова стал местом, где сбываются мечты, но теперь с пониманием реального мира и его тонкостей.

С момента начала разработки фильма о «Барби» в 2009 году компанией Mattel и киностудией Warner проект прошел через множество сценаристов и режиссеров. Но когда дело дошло до комедии с Эми Шумер, она была приостановлена перед началом производства. Однако, взглянув назад, становится очевидно, что нашлась идеальная кандидатура для режиссерского поста - Грета Гервиг. Авторка фильмов «Леди Берд» и «Маленькие женщины», она расшифровала секреты массового феминистского кино и обратилась к самым чувствительным сторонам зрителей, особенно к тем, кто идентифицируется с женским полом. Даже в мире большого студийного кино, где корпорации стремятся выжать последние капли человечности из фильмов, превращая их в стерильные продукты, Гервигу удалось сохранить ту неидеальность, которая присуща человеческой душе.

«Барби» стала маленькой, но заметной победой для независимых режиссеров в мире большого кино, идеально совместив студийную цензуру и уникальные идеи, обитающие в маленьких инди-фильмах.

«Барбиленд» - это мир полного противоположности современной реальности, где матриархат правит, а агрессия и депрессия словно чужды. Однако, когда Барби оказывается в настоящем мире, она сталкивается с экзистенциальным потрясением и впервые испытывает горькие слезы. В то время как Кен, напротив, находит в патриархальной системе шанс вырваться из тени Барби и вдохновляется этой возможностью.

Принося маскулинные идеи обратно в «Барбиленд», Кен неожиданно погружает идеальный пластиковый мир в хаос. В этой схватке между Кеном и Барби, Грета искусно использует куклы, чтобы наглядно показать, как перевес силы может нанести урон обществу. Но, увы, даже такое подробное объяснение простой идеи не принимается всем, как показывает реакция на защиту прав Кена в сети. Причудливо, что те же люди, которые возмущаются положением Кена в «Барбиленде», сами критикуют внешность Марго Робби, подкрепляя тем самым выводы, сделанные Гервиг в своем фильме.

Этот противоречивый контекст ставит зрителей перед зеркалом, побуждая задуматься о собственных убеждениях и двойных стандартах. «Барбиленд» становится не только историей о соперничестве Кена и Барби, но и глубоким рассмотрением общественных проблем и стереотипов, которые с ними связаны. Грета Гервиг умело провоцирует дискуссии и заставляет зрителей задуматься о мире, в котором мы живем, а это делает фильм по-настоящему ценным и запоминающимся.

Фильм щедр на мета-иронию, и герои с удовольствием высказывают комичные ремарки о том, что Барби (сыгранная Марго) явно не идеальна для роли настоящей «Барби», таким образом, положив точку в бесконечных интернет-спорах. Грета Гервиг искусно использует прямолинейность и вычурность кэмп-эстетики, которая безупречно вписывается в яркий мир «Барби». Она превращает фильм в настоящий феминистский манифест, сопровождая его музыкальными номерами и блестящими костюмами.

Как и в её предыдущих работах, Гервиг заряжает зрителей любовью к женщинам, напоминая как Барби, так и Кенам, и всем остальным, что важно быть собой, независимо от всех внешних ограничений и стереотипов. Она искренне подчеркивает, что быть достаточно хорошим – это быть просто достаточным. Все это вдохновляет зрителей и заставляет искать людей в худи с надписью "I'm Kenough" в своем районе, сознавая свою индивидуальность и принимая себя такими, какие они есть.

Огромную работу воплотила в жизнь художница-постановщица Сара Гринвуд, создавая внимательно проработанный мир Барби, который пробуждает воспоминания у всех, кто держал эту куклу в своих руках в детстве. Грета Гервиг следит за каждой деталью, стремясь к аутентичности: от изогнутых стоп Марго Робби до угловатых движений актеров. С первых же 15 минут фильма зрителей окунут в воспоминания о приятных ощущениях, связанных с игрой с Барби.

Пластиковый мир оживает на экране, и каждый его момент резонирует у зрителей с их собственными воспоминаниями, исполняя мечты детства для многих. Каждая деталь созданного мира дотошно передана, и это помогает зрителям вспомнить чудесные моменты, проведенные с любимой куклой. Фильм становится настоящим возвращением в ностальгическое прошлое, позволяя всем окунуться в мир детства и снова почувствовать радость от игры с Барби.

Марго Робби оказалась удивительной Барби, которую можно было только мечтать увидеть на экране, несмотря на критику интернет-цензоров. Её чуткий и мастерски исполненный перформанс в сочетании с взрывным комедийным талантом оставляют всех безмолвными. Актер Райан Гослинг, несомненно, транслирует бесконечную энергию в роли Кена, позволяя своему персонажу второго плана проявить себя на полную катушку, а в некоторых сценах даже закутаться в одеяло.

Слухи о возможной номинации Марго Робби на «Оскар» имеют все шансы сбыться, и в этом году Дэниэл Дей Льюис был бы единственным конкурентом, но он ушел в отставку, так что горизонт перед Робби ясен и светел. Её талант и умение преображаться в роли Барби непременно оставят след в истории кинематографии, и заслуженно.

«Барби» — это кинематографический манифест о жизни женщины в патриархальном обществе, воссозданный в двухчасовом монологе и периодически прерываемый рекламными вставками от компании Mattel. Этот кэмповый, инклюзивный и трогательный фильм, благодаря грандиозной маркетинговой стратегии, подарил зрителям возможность устроить себе настоящий праздник: насладиться одеваясь в розовое и наслаждаться каждой минутой просмотра.

Превзойдя все ожидания, «Барби» с легкостью справился с задачей удержать высокий уровень хайпа, который возник вокруг этого фильма. Он заставил нас смеяться и плакать, позволил временно уйти от реальности в мир красочных костюмов и сказочных моментов. Однако, вернувшись в реальный патриархальный мир после просмотра, зрители оставили кусочек тепла в своих сердцах и мелодию песни Кена в своих головах, что стало подарком от этой особенной киноленты.

Путешествие Майлза Моралеса в мир приключений переходит на новый уровень –– здесь найдется еще больше динамики, еще больше паучьих героев и еще больше впечатляющих комиксов.

Майлз Моралес уверенно носит свой супергеройский костюм и бесстрашно спасает Нью-Йорк от преступников. Однако, иногда бремя героя мешает ему реализовывать себя в повседневной жизни, и в его семье, связанной с Человеком-пауком, возникают напряжения. Ситуация становится еще сложнее, когда Майлз сталкивается с загадочным Пятном, а еще более запутанной –– когда его возлюбленная, талантливая барабанщица Гвэн Стэйси, возвращается из другого измерения и затягивает молодого паучка в совершенно новое приключение.

В мире супергероев произошло захватывающее событие, которого никто не ожидал. В то время, когда Marvel привлекала внимание киноманов своим грандиозным Человеком-пауком, Sony Pictures в 2018 году представила своего собственного радиоактивного мутанта – анимационный фильм, который мгновенно стал гордостью жанра. Изначально недооцененный «Через вселенные» превратился в главное паучье шоу на экране. Этот мультфильм казалось бы завершал двадцатилетний цикл комиксовых адаптаций, возвращаясь к истокам: от реалистичных фильмов обратно к ярким и пестрым картинкам, где герои и злодеи сражаются в эпических баталиях. Все вокруг сверкало, было полно энергии и невероятного темпа, не давая нам даже мгновения отдохнуть или понять, почему любимый супергеройный мир зашел так далеко. В этом анимационном произведении Человек-пауку было мало Нью-Йорка: он отправлялся искать себя в новых местах, преодолевая подземные туннели и взбираясь на высоты небоскребов. Мы поняли, что 15-летний Майлз Моралес, а также его талантливые сценаристы, предпочитают приключения в мультивселенной – идеальном месте, чтобы собрать всех пауковых героев вместе.

Сиквел неожиданно поднял ставки – ведь в мире сотни тысяч видов пауков, так почему бы им не разнообразиться и здесь: забавная команда из первого фильма, включающая аниме-версию Пенни Паркер, комического Свин-паука, угрюмого Паркера и великолепного нуарного Человека-паука 30-х годов, была заменена целой армией пауков. Взгляд бегает от фауны, созданной в пространственной паутине: здесь мы видим брутального Человека-паука 2099 в стильной экипировке (с голосом Оскара Айзека), Гвэн Стэйси, ставшую героиней, беременную Женщину-паука, и даже панковского Человека-паука в духе Sex Pistols. Не говоря уже о потрясающем появлении индийской версии Питера Паркера – Павитры Прабхакара, который перебирается по паутине в будущем Мумбаи. Режиссерская троица мультфильма – Жуакин Душ Сантуш, Кэмп Пауэрс и Джастин Томпсон (каждый из них может быть представлен как отдельный паук) – уже стала неотъемлемой частью истории супергеройского жанра: они окончательно превратили мультивселенную из модной фишки и сладкой ваты для фанатов в своеобразную рассказовую витиеватость. Авторы не только мастера пересмотра (такого «Паука» вы еще не видели), но и настоящие анархисты, пытающиеся пропитать фильм энергией со всех сторон: что-то в этом мире следует правилам кино, особенно в плане композиции и монтажа внутри кадра, что-то прямо-таки повторяет язык комиксов, будь то вспышки ярких цветов или героические позы, а что-то даже напоминает зоотроп – ведь движение кружащихся образов в кольце является причиной того, что киноэффект происходит с нами.

В этой паутинообразной живописи, в ошеломляющем визуальном хаосе, где мы проводим два часа, прыгая через порталы, нанося сокрушительные удары, сплетая паутину и окунаясь во все возможные цветовые схемы, есть некая первобытная привлекательность аттракциона. Общение между «Человеком-пауком: Через вселенные» и зрителями происходит только на языке чрезмерности и многообразия, в кодировке мультфильма через вторичные образцы комиксов и мультсериалов – здесь присутствует множество пастиша, насмешек и стилистических игр, которые перекликаются от нелепых анимационных сериалов о Пауке 70-х годов до имитаций комиксов в формате одиночных выпусков, блестящих суперкроссоверов и видеоигр. Стиль второго «Человека-паука» – это совокупность всех стилей, связанных липкими паучьими нитями.

На этот раз произошли некоторые изменения: в мультфильме появилось значительно больше лирических моментов, Гвэн Стэйси стала центральным персонажем, и ее конфликт ничуть не уступает проблемам, с которыми сталкивается Моралес. В кадре также появилось еще больше неоновых всполохов, хотя теперь эта вспышка красок разворачивается в штабе Человеков-пауков. Наблюдать, как дружелюбный супергерой вступает в схватку с Пятном, устраивая хаос в супермаркете, безусловно, намного интереснее, чем снова и снова проживать ту же драму взросления и осознания супергеройской ответственности. Однако вместе с тонкостями и продолжительной длительностью «Человек-паук: Через вселенные» представляет собой настоящий поток креатива, панк-рок из мира комиксов, который питается беспрерывно и выражает уважение к графической культуре: от эскизов эпохи Возрождения до легендарных персонажей Джека Кирби.

Из года в год компания «Дисней» неустанно повторяет свои собственные анимационные шедевры, которые занимают особое место в детстве большинства миллениалов. Однако цель этого мероприятия далеко не благородна. «Дисней» продает ностальгию по выгодным ценам, манипулируя ожиданиями зрителей, но редко их оправдывает. Live-action ремейки, как самостоятельные художественные произведения, обычно неудачны и просто механически следуют оригиналу, покадрово повторяя знаменитые сцены из мультфильмов. В последние годы формула успеха «Диснея» работает все хуже: новые адаптации «Пиноккио», «Мулан» и «Питер Пэн» не оправдывают ожидания зрителей и получают низкие рейтинги. Несмотря на это, машина по производству контента продолжает контролировать мировой кинопрокат и, похоже, не собирается останавливаться.

Ещё задолго до начала производства фильма «Русалочка» началась волна критики. Причиной всеобщего недовольства оказался выбор американской певицы Холли Бэйли для роли Ариэль. Поклонникам оригинального мультфильма «Русалочка» не понравился цвет кожи Бэйли, который не соответствовал каноническому образу диснеевской принцессы. В какой-то степени зрительские претензии понятны — все предыдущие кастинги от студии Disney тщательно повторяли внешность анимационных персонажей, как, например, в случае с «Мулан» или «Красавицей и чудовищем». В фильме «Пиноккио» даже была создана специальная 3D-версия главного героя из мультфильма 1940 года. Однако выбор Ариэль противоречил этому подходу и частично отрицал критику предыдущих ремейков, которые обвиняли в отсутствии оригинальности. В целом он пытался внести нечто новое в любимую всеми сказку — важный социальный контекст и архетипичность женского образа, который объединяет всех независимо от расы и национальности.

Режиссером фильма «Русалочка» был назначен Роб Маршалл, известный талантливый постановщик мюзиклов, который не всегда следует требованиям аудитории. Его последний диснеевский проект, ремейк «Мэри Поппинс возвращается», не получил любви и признания. К счастью, в фильме «Русалочка» режиссер отказался от спорных анимационных вставок и не стремился буквально скопировать оригинал. Ариэль и Эрик, сыгранный звездой «Пути домой»Джоном Хауэр-Кингом, получили несколько новых песен, которые неожиданно имеют все шансы стать хитами. В целом Маршалл старался равномерно распределить время между главными героями, в отличие от оригинального мультфильма. Эрик получил собственную предысторию и даже небольшой внутренний вызов, связанный с огромной ответственностью за своё небольшое, но всё же королевство.

Холли Бэйли заслуживает похвалы за то, что она не пытается подражать классическому образу Ариэль и не производит впечатление актерской игрой, скорее своим талантливым вокалом, в отличие, к примеру, от Эммы Уотсон в «Красавице и чудовище». В целом музыкальная составляющая фильма «Русалочка» явно преобладает над сюжетной линией. Сцена с песней Себастьяна (Дэвид Диггз) «Under the Sea», с участием розовых медуз, танцующих дельфинов, сверкающих морских звезд и множества других морских обитателей, поистине претендует на звание лучшей в фильме. Неожиданным открытием стал хип-хоп-фристайл от чайки Скаттл, исполненный непревзойденной Аквафиной.

Что касается сценария фильма «Русалочка», как и ожидалось, он не предлагает ничего нового, за исключением нескольких скромных романтических моментов с главными героями. Роль Урсулы, исполненная Мелиссой МакКарти, вызывает страх лишь из-за крайне недостаточного количества времени на экране, и кажется, что она заслуживает собственного сольного выступления. По крайней мере, опыт с фильмом «Круэлла» показал, что такие собственные истории находят своих поклонников.

Среди других перезапусков от «Диснея», которые либо лишены характера (как «Мулан»), либо страдают от скучности (как «Пиноккио»), работа Роба Маршалла в фильме «Русалочка» выделяется своим необычным и порой радикальным переосмыслением персонажей. В «Русалочке» есть некоторые недостатки, о которых не хочется говорить, но в целом фильм полностью оправдывает ожидания, возвращая утраченное детство и внося некоторый контраст в известную историю. В конечном итоге, каждой девочке в этом мире должна принадлежать ее собственная ролевая модель, и Ариэль из новой «Русалочки» полностью соответствует этому статусу.

Безымянная бывшая наёмница (Дженнифер Лопес) вынуждена передать свою новорождённую дочь под опеку спецслужб. Через 12 лет ей придётся справиться с прежними врагами и спасти ребёнка от неминуемой смерти. О том, каким получился фильм «Мать» - узнаете из нашего краткого обзора.

Netflix все больше отражает реальное и возможное будущее, где даже среднестатистические личности становятся звездами при должном освещении. В фильме «Мать», двухчасовом экшене, который в большей степени лишен души, Дженнифер Лопес помогает избежать позора. Она отказывается от своего сценического альтер-эго и Бена Аффлека, чтобы вместо этого взять в руки винтовку с прицелом и отправиться на просторы Аляски. Певица с безжалостностью подходит к экшен-сценам, владеет боевыми искусствами и убивает всех врагов, но, в сущности, напоминает аниматора на детском празднике в стиле «Джона Уика». Она мать, лишенная имени и родины, но она готова на все ради своей дочери.

Женщина служила в Афганистане, где оказалась под влиянием торговца оружием и детьми по имени Эдриан Ловелл (Джозеф Файнс). После лет зависимости она решает раскрыть всю правду ФБР, но чуть не становится жертвой в открывающей сцене. В отчаянной попытке сбежать она переезжает на Аляску, где ведет скрытую жизнь, охотится на лосей и позднее даже на людей, пытаясь забыть кошмарное прошлое. Ее дочь, которой дали имя Зои (Люси Паэс), выросла в счастливой приемной семье, но вскоре вынуждена столкнуться с последствиями грехов ее биологической матери, чьи действия противоречат ее семейным ценностям.

Несмотря на заметное сходство с франшизой о Джейсоне Борне, фильм «Мать» страдает от анонимности и безразличия к происходящему. Дженнифер Лопес впечатляет своими трюками и напряженными погонями, время от времени удается передать некоторые эмоции, но она не справляется с потоком серости, который присутствует в фильме. Результатом этого смешения становится незапоминающийся сюжет, который вызывает сомнения, даже будучи простым развлечением. Режиссер Ники Каро («Мулан», «Жена смотрителя зоопарка») явно предана главной актрисе и, к сожалению, забывает остальные аспекты фильма. Винить команду сценаристов, включая Мишу Грина (автора «Страны Лавкрафта») и Питера Крэйга (сценариста «Бэтмена»), за их стремление к легким деньгам было бы неправильно, особенно во время забастовки писателей в США. Мы не хотим обвинять их в меркантильности, но смысловая составляющая фильма явно пострадала.

Как и его известному брату Рэйфу, Джозефу Файнсу теперь приходится играть карикатурных антагонистов с похожим тембром. Появление Гаэля Гарсиа Берналя продлится всего несколько минут, и он исчезнет так же нелепо, как и его персонаж Гектор с его склизкой шевелюрой, бывшим любовником Матери и партнером Ловелла, который похищает Зои. Единственным органичным элементом для Лопес станет трогательная работа Пола Рэйси в роли наставника. Появление Рэйси еще больше подчеркивает ценность работы актера в «Звуке металла», за которую он был номинирован на Оскара.

С точки зрения географии, «Мать» ограничена: фильм получил бюджет для съемок на Кубе и заснеженных просторах Аляски, включая эпичную битву на снегоходах. Фоновый саундтрек, включающий Grimes, Portishead и Кейт Буш, служит фоном, когда мать-героиня обучает Зои выживанию: установке кроличьих ловушек, правильной зарядке винтовки, попаданию в цель. Встреча двух потерянных людей окажется короткой, но трогательной, наполненной невысказанной горечью и любовью. Зрителям остается мало что сказать в итоге — сравнивать героиню с одинокой и раненой волчицей, как авторы делают в финале, не имеет смысла. Дженнифер Лопес безусловно, можете быть первопроходцем, однако не было ничего, что могло бы помешать снять клип, не тратя свое драгоценное артистическое время.

Один из многочисленных голливудских блокбастеров, включая триквел «Стражей галактики», столкнулся с проблемами в производстве, вызванными не только пандемией коронавируса, но и скандальным увольнением режиссера Джеймса Ганна и его замены, а также его неожиданным возвращением. Disney пытался адаптироваться к новой социальной повестке, в то время как Ганна перехватили продюсеры Warner Bros и работа над другими проектами заняла у него три года. К счастью, Ганн вернулся к своей супергеройской семье для создания финальной главы, но после назначения на пост главы DC Studios, дальнейшее сотрудничество с Disney не предполагается. Поэтому новые «Стражи галактики» воспринимаются как прощальный фильм, созданный с использованием ностальгии за времена, когда все было проще.

После итоговой битвы с Таносом, стражи нашли убежище в отдаленной галактике и создали свою базу. Несмотря на это, Питер Квилл все еще мучается воспоминаниями о Гаморе, заливая свое сердце дешевым алкоголем. Рутина жизни героев нарушается с появлением наемника Адама Уорлока и его стремления вернуть генетически модифицированного енота Ракету, которого создал его наниматель много лет назад. Сейчас, число героев пополнилось помощником Йонду Краглином и советской собакой Космо.

В отличие от других фильмов о супергероях, таких как «Тор», «Капитан Америка» или «Железный человек», «Стражи галактики» - это концептуальная франшиза с уникальным режиссерским видением, которое удивительным образом не потерялось в бесконечном потоке фильмов от Disney. Третья часть «Стражей галактики», как новый альбом Ланы Дель Рэй, приятна своей предсказуемостью и узнаваемой атмосферой, которая объединяет космический вестерн, комедию и старое семейное кино. Режиссер Джеймс Ганн не изменяет своим излюбленным приемам, но в то же время каждый раз вводит в сюжет новые элементы. Как и во всех финальных главах, третья часть «Стражей» полна трагизма и режиссер обращается к самым глубинным чувствам аудитории, не ставя на кон целый мир, как в «Мстителях: Война бесконечности» или новом «Человеке-пауке», а на жизнь маленького сердитого енота Ракеты. Тайна происхождения Ракеты раскрывается через флешбэки о его жизни в неволе и мечтах о свободе, которые настолько манипулятивны, что даже третья «История игрушек» показалась бы сухим учебником по географии.

За поверхностной историей о дружбе и любви в фильме можно увидеть ссылки на литературный образ доктора Франкенштейна, сатиру на современную практику евгеники, а также режиссерский манифест аболиционизма. Ганн, который только несколько лет назад потерял свою любимую собаку, не навязывает зрителям морализаторство, но напоминает о том, что животные - хоть и не обладают разумом, но они точно имеют чувства и фундаментальное право на свободу, которое не должно подвергаться угрозе со стороны человека в любой форме собственности.

Первые две части «Стражей галактики» были замечательны, но не хватало чего-то более вдохновляющего и убедительного, способного привести зрителя к новым уровням эмпатии и доброты. И вот в третьей части появляется сильная гуманистическая идея, которая может вдохновить любого на основе уважения и любви к живым существам, будь то енот, морж или собака. Именно такие поступки, как у Питера Квилла, доступны каждому человеку на планете.

Венди Дарлинг, играемая Эвер Андерсон, стоит перед необходимостью покинуть свой родной дом и отправиться в интернат, но переход в подростковый возраст ей не даётся легко. Как Питер Пэн (Александр Молони), герой её любимой сказки, она отказывается взрослеть. В одну позднюю ночь Питер и его верная фея Динь-Динь (Яра Шахиди) приходят к семье Дарлинг, чтобы перенести Венди и её братьев в волшебную страну Нетландию, где дети никогда не становятся взрослыми. Однако коварный капитан Крюк (Джуд Лоу) и его банда пиратов замышляют свои коварные планы на Питера и его новых гостей.

Среди множества новых экранизаций «Питера Пэна» - эта выделяется особенно ярко. Режиссер Дэвид Лоури заслужил доверие ещё на этапе производства и оправдал ожидания зрителей. Кроме явного таланта («Легенда о Зеленом рыцаре», «История призрака»), Лоури близко знаком с каталогом Disney («Пит и его дракон») и умеет переформатировать его под новую аудиторию, обладая превосходными бизнес-навыками. Он следует простой, но эффективной стратегии «один фильм для них, один для меня», успешно зарабатывая на авторских инди-проектах и работая в масс-маркете, не утрачивая при этом своей чувственности и фантазии, что редко встречается в блокбастерах. Всё это делает его версию «Питера Пэна» чрезвычайно интересной для зрителей.

Пересказ сюжета оригинальной книги и мультфильма 1953 года, вероятно, излишен для тех, кто ознакомлен с этими произведениями. Тем не менее, стоит отметить несколько интересных моментов новой версии. Один из главных уклонов фильма - это история Капитана Крюка. В отличие от предыдущих версий, зритель получает возможность увидеть, как Джеймс стал Крюком, его детство, желания и мечты. Родители Крюка были разлучены с ним в раннем возрасте, что ещё больше укрепило его внутреннюю неустойчивость. В то время Питер Пэн неизменно жил в своём детском мире, не подозревая о проблемах Крюка и других детей. Режиссёр Дэвид Лоури и сценарист Тони Хэлбрук подошли к сюжету творчески и освежили его, заострив внимание на сложных отношениях между героями. Старые друзья, Крюк и Пэн, превратились в непримиримых врагов, которые хорошо знают друг друга и всегда готовы к новым схваткам. Любители оригинальной версии будут приятно удивлены новыми элементами сюжета, которые придают фильму свежесть и динамизм.

Эвер Андерсон убедительно дебютирует, придавая трехмерность персонажу Венди. Дочь Миллы Йовович и Пола У.С. Андерсона переносится из викторианского романа на экран, где проходит через моральное преображение, приобретая черты щедрости и воинственности, как героиня Сьюзен из «Хроник Нарнии». В то же время, Молони в образе Пэна не так успешен, не передавая необходимую живость, ментальную замкнутость и ответственность перед «пропавшими« детьми, которых он приютил. Лоури слишком занят созданием внешнего и эмоционального мира Нетландии, забывая о значимости главного актера в качестве своего помощника.

Перезапущенный «Питер Пэн и Венди» был выпущен на стриминговой платформе Disney+ в обход кинотеатров, поэтому его финансовую успешность оценить достаточно сложно. С точки зрения художественного мастерства, фильм достаточно бережно пересказывает оригинальную историю, но не удается передать ее энергетику, предлагая зрителям несколько современных изменений, направленных на создание позитивного образа. Однако, главную волну критики со стороны пользователей социальных сетей и традиционалистов вызвала актриса Яра Шахиди, исполнявшая роль Динь-Динь. Несмотря на то, что ее персонаж не произносил ни слова (в соответствии с оригинальным сюжетом фею могут слышать только некоторые персонажи), она смогла привлечь к себе внимание зрителей и оставить приятное впечатление, несмотря на отсутствие двойственности, присущей анимационному прототипу. Свою эмансипированность продемонстрировала Алисса Вапанатак, исполняющая роль Тигровой Лилии, которая пережила переход от шаблонной коренной американки до лидера собственного племени, добавив более глубокую смысловую нагрузку и эмпатию в сюжет.

В честь 100-летнего юбилея компания «Дисней» стала скорее фабрикой готовых идеалов, нежели их создателем. Но для Дэвида Лоури это не проблема - даже здесь, среди неоригинальных и уставших концепций, он остается талантливым автором, способным соединять гениальность и эмоции в мире бездушных брендов. Хотя «Питер и Венди» не совсем соответствует настроению истории, она гораздо лучше, чем ужасный ремейк Джо Райта 2015 года и не пытается свести все к дешевой ностальгии по беззаботному детству. Здесь мы учимся думать о хорошем, и рекомендуем делать так же, чтобы избежать кризисов взросления и других подобных проблем, которые неизбежно встретятся на пути.

Полтора года назад на борту Международной космической станции (МКС) началась историческая кинематографическая экспедиция с творческим заданием. Режиссеру Климу Шипенко, актрисе Юлии Пересильд и троим космонавтам — Антону Шкаплерову, Петру Дуброву и Олегу Новицкому — предстояло снять первый игровой фильм в космосе всего за 12 дней. Подготовительные работы заняли месяцы, Роскосмос оказал поддержку, а бюджет проекта был заоблачным. Этот национальный проект был задуман для того, чтобы вызвать гордость на долгие годы.

После неудачного столкновения с обломками спутника в открытом космосе, Олег Новицкий получает серьезную травму, и шансы на его эвакуацию с МКС без фатальных последствий сокращаются до минимума. ЦУП решает провести эксперимент и отправить на орбиту хирурга, который сможет выполнить операцию в условиях невесомости. В подготовке к миссии принимают участие не только кандидаты, но и механизм медицинской помощи. Среди коллег-мужчин (главную роль играет Милош Бикович) Женя Беляева (играет Юлия Пересильд) проявляет себя как самый стойкий член команды на земле, не стремясь в космос, но стараясь помочь своим коллегам в любой возможной форме. Дома она ждет свою дочь, у которой непростой характер и проблемы в школе (играет Варвара Володина), ее тревожит звонок от мамы с проблемами со здоровьем (играет Елена Валюшкина), а ее глотку сжимает трагическая смерть мужа (играет Михаил Тройник), которая произошла в автомобильной аварии несколько лет назад.

Если задуматься о причинах для съемок кино в космосе с художественной точки зрения, то можно выделить два общих ответа, хотя и весьма исчерпывающих. Кинематографисты могут стремиться к поиску метафизического измерения и бескрайней вселенной в иллюминаторе и в своей душе, либо дотошно преследовать достоверность, стараясь зафиксировать аутентичное существование в кадре. Есть и третий вариант для самых отчаянных храбрецов, однако, для его реализации, помимо выхода в космос, потребуется еще найти настоящих пришельцев, что вряд ли возможно. Клим Шипенко выбрал поиски документального в вымысле, которые сопровождаются благородной миссией и получили поддержку от многих структур. В этом случае, жизнь космонавта оправдывает любые риски, а героиня Пересильд является старательной профессионалкой, которая заслуживает путевку на орбиту неослабевающим трудом, хотя это не обойдется без трудностей. Кроме того, кажется, что командировка на МКС является единственным шансом для замученной бытовыми проблемами Беляевой перевести дух и немного… отдохнуть, конечно же, после выполнения героического подвига.

В первой части картины кинорежиссеры решают придерживаться достоверности, поэтому экран наполняется последовательными и равномерными событиями. На земле в Центре управления полетами высокопоставленные чиновники, возглавляемые Владимиром Машковым, усердно трудятся, в то время как мать главной героини (захватывающе исполненная Валюшкиной) беспокоится. Кандидаты на космонавтов демонстрируют силу воли и упорство. Конечно же, иногда на экране возникают допущения разной степени тяжести, не все стереотипные шутки звучат безобидно, а черно-белый мелодраматичный флешбэк с аварией продолжает напоминать о себе ярким красным сигналом светофора. Но несмотря на это, «Вызов» подходит к старту как прилежный отличник, который тщательно отглаживает свою белую рубашку перед школьной линейкой. Однако, когда Беляева готовится отправиться в космос, экипаж и художественная составляющая фильма отклоняются от заранее продуманного плана и начинают экспериментировать.

Можно последовательно перечислять изменения, которые происходят с фильмом, когда он меняет свою тональность — от драматической к воздушно-легкой: врач на МКС выглядит более эффектно и нарядно, темпоритм замедляется, а космонавты выглядят более расслабленными и привлекательными. Однако, кажется, нет оснований осуждать эти изменения: сценарий остается прежним на Земле, в то время как в космосе наступает время для наслаждения моментом и празднования достижений. Шипенко восхищается пролетами Пересильд по узким коридорам МКС и приглашает зрителей разделить с ним свою настоящую радость.

Когда говорят о фильме, снятом в космосе, возможно, невольно возникают ожидания волшебства и магии, как будто зритель перенесется в другой мир. Клим Шипенко, известный режиссер, тоже вспоминал о своих мальчишеских фантазиях о космосе. В своем новом фильме «Салют-7» он показал нам настоящий подвиг советских космонавтов, и все это сделал с любовью и нежностью. В фильме мы видим, как капли воды парят в невесомости, а Деревянко и Вдовиченков говорят о земном и вселенском. Каждый кадр наполнен чувством перед космосом, делом храбрых и искренним трепетом. Шипенко не просто создал фильм, он воплотил свою мечту, навеянную космосом, в истории, которая вдохновляет нас до сих пор.

Фильм «Вызов» изменяет сценарий, возвращая вымышленный сюжет к реальности. Хотя эта идея кажется фантастической, она потеряла некоторую часть своей загадочной привлекательности и мистической тайны. Нарратив фильма теперь является дополнительной ниточкой, прикрепленной к основному шедевру - кадрам, снятым в невесомости, а критически важная миссия сменилась игривостью. Возможно, это связано с тем, что оценить мечту другого человека довольно сложно, особенно если она становится реальностью. Как известно, победителей не судят, а критики не так высоко поднимают головы, даже сидя на первом ряду кинотеатра. История о режиссере-фантазере, который полетел в космос, чтобы снять фильм, могла бы вдохновлять на свершения, но не сегодня. Возможно, однажды, когда о Климе Шипенко снимут байопик.

Судя по реакции на фильм, обсуждениям в СМИ и комментариям космонавтов, чьи планы были изменены ради съемок, публика сейчас больше заинтересована в прозаических и земных фантазиях. Даже космический туризм перестал казаться нечто невероятным: восхищение красотой и чудесами вдали уже не вызывает общего восторга. Вспоминается классический фильм перестроечной эпохи «Курьер» Карена Шахназарова, где один персонаж хочет пальто на осень, а другой предлагает помечтать о великом. Похоже, что «Вызов» также хочет вдохновить зрителей на мечты о великом, хотя все вокруг нуждаются в простом теплом пальто из шерсти.

Дэйв (Рори Киннер) является предпринимателем из Бернли - маленького городка, где местным бизнесменам особенно необходимы минивэны. Когда кризис 2008 года ударил по некоторым жителям города, Дэйв решил помочь им и начал выдавать займы из своего кармана, чтобы они могли заработать на своих машинах. С увеличением количества заявок стало очевидно, что нужно расширять бизнес. Тогда Дэйв решил создать локальный банк, и для этого ему потребовалась помощь юридической фирмы из Лондона. Один из сотрудников этой фирмы, Джоэль Фрай, был направлен для помощи Дэйву в сборе необходимых документов.

Фильм «Банк Дэйва» основан на реальной и уникальной истории, которая рассказывает о том, как один человек, проявивший заботу о своем родном городе и его жителях, решил открыть банк - первый за последние 150 лет. Дэйв Фишвик бросает вызов властям, задавая вопрос: что будет с банковской системой, если каждый сможет открыть свой банк? Но ответственные лица не сдаются и придумывают все новые и новые препятствия, такие как подача в суд на Дэйва за выданные им займы или требование многомиллионных взносов. Но каждое препятствие только укрепляет уверенность этого «заботливого мечтателя».

Интересно, как режиссер в фильме демонстрирует контраст между маленьким городком и столицей. В Бернли жители знают друг друга и всегда готовы помочь тем, кто столкнулся с проблемами. В то же время, в большом Лондоне каждый привык добиваться всего самостоятельно и даже готов пройти над близкими людьми, чтобы достичь своих целей. Фильм показывает зрителю, насколько важен локальный банк, который помогает людям, не имеющим возможности проявить себя, но стремящимся к лучшей жизни, в противовес централизованному финансовому монстру.

Дэйв пользуется огромной популярностью среди жителей города, и это явно видно на экране, особенно в сценах, происходящих в караоке-баре. Зрители могут наблюдать, как каждый из присутствующих либо выражает благодарность главному герою, либо с интересом слушает его исполнение очередного рок-хита. Музыкальное сопровождение в «Банке Дэйва» также занимает особое место. Группа Def Leppard появляется на постере фильма, а также упоминается в диалогах героев и в ключевой сцене, что подчеркивает их значимость. Благодаря страсти Дэйва к музыке зрители смогут услышать свои любимые хиты, но неизвестно, какая часть бюджета была выделена на это.

Крис Фоггин получает по достоинству лавры за выбор актёров: Рори Киннер всегда привлекал внимание публики, а теперь к нему присоединяется один из гигантов британского кино - Хью Бонневилль, который на экране изображает эксперта по банковской системе с некоторой карикатурностью. Джоэл Фрай отлично справляется со своей ролью наивного, обаятельного и целеустремленного молодого юриста, и даже в романтических сценах он был удивительно убедителен, что особенно заметно после его дурашливых образов в фильмах «Yesterday» и «Круэлла». Стоит также отметить и Пола Кея, который занимает мало экранного времени, но запоминается каждому зрителю так же, как и любой из его персонажей.

«Банк Дэйва» - это фильм, который не заставит зрителя усаживаться в кресло и держаться за него во время резких поворотов сюжета или смеяться до слез. Он не конкурирует с такими фильмами, как «Air», «Основатель» или «Форд против Феррари», но все же рассказывает историю успеха. Это не глобальный успех, который направлен на захват мирового рынка и становление больше, сильнее, лучше, но максимально человеческий. Картина заставляет зрителя расслабиться и улыбнуться, это не блокбастер, а история, которая возвращает веру в людей. Она напоминает, что в мире существует доброта, забота и взаимопомощь, и что все возможно, даже если цели кажутся недостижимыми. История Дэйва Фишвика приводит к идее, что в жизни есть место для чудес, и порой надо всего лишь поверить в себя и в то, что жизнь может стать лучше.

В сердце шторма находится старое и небрежно ухоженное судно, названное «Снегирь», которое неуклонно движется. Предсказать куда он направляется можно без подсказок от кого-либо, знания о возможной катастрофе, или знания романа «Три минуты молчания» Георгия Владимова. На причале двое юных матросов ожидают своей очереди, их напрягает неизбежность возможной беды, но пока не о чем беспокоиться, кроме неприятного запаха и облизлых морских волков, которые гоняют их по палубе. Однако, папа Гена, который является частью команды на судне, нагнетает обстановку, делая ситуацию еще более напряженной. Возможность беды кажется неизбежной.

Сложно ожидать от режиссера Бориса Хлебникова и сценаристки Наталии Мещаниновой вдохновляющий романтический фильм о взрослении, преодолении и силе духа. На самом деле, на первый взгляд, фильм действительно показывает, как плавание на корабле может закалять характер. Но в действительности, факурные моряки, у которых на лицах выгравированы годы работы на море и выпивки, смотрят на дно тарелки, кашляют и учат молодых уважению, но на самом деле они учат их уважению к старшим, которые теряют авторитет с прибытием корабля в порт. Дома жены и дочери не понимают и молчат, а на море все кажется более привычным. Фильм «Снегирь» не романтизирует рыболовство и не показывает свободу на северных морях, это просто работа, с которой связаны многочисленные производственные трудности. Любые иллюзии «асисяев», если они были, быстро разрушаются под давлением дедовщины, которая не является обрядом передачи мудрости, а скорее мучительной пыткой, которая превращает салаг в настоящих мужчин, которыми они на самом деле не хотят быть. По крайней мере, это относится к Никите, который хочет просто выжить на корабле и готов попрощаться с пубертатом в других обстоятельствах.

Они сталкиваются с межпоколенческой пропастью, которая угрожает утащить кого-то на дно. Моряки старшего поколения, опираясь на свой опыт, стараются помочь и причинить добро молодым матросам, хотя это может быть сложно, поскольку их подход противоположен тому, что ожидают молодые матросы. Чтобы достичь опыта и преемственности, моряки проходят через диковатые обряды, которые могут быть жестокими, такими как битье рыбы или морды друг о друга, но которые также могут улучшить их навыки и подготовить их к жизни на море. Младшие матросы еще не понимают, как работает иерархия на судне и что их ждет в будущем, но старшие матросы знают, что жизнь на море может быть трудной и опасной, и тревога может нарастать сама по себе. Моряки также сталкиваются с опасностями, такими как удары стихии, но также могут получать «стихийные акты воспитания», которые могут оставить на них рябые шрамы от коньяка.

Когда корабль «Снегирь» достигает края шторма, все понимают, что давно уже потеряли все, но морские братья до сих пор держат друг друга за плечи, даже на дне. Хлебников и Мещанинов являются свидетелями этой трагедии, наблюдая за ней со стороны, не вкладывая себя в удручающее бытие в трюме. Они не осуждают и не защищают, они просто пытаются заглянуть в глаза. Буря становится рычагом, как будто извне, для разгона загадочной русской души (если она есть), и тем хуже дела, тем больше сил проявляется для подвига. Героизм - это не обычное маленькое добро, это стихийное дело, внезапное, реакционное. Поступок с большой буквы может стать валютой, за которую можно расплатиться и получить индульгенцию за каждодневное малодушие. В море существует особенный курс обмена, свои принципы и печали - чужаки там не имеют никаких привилегий. Корабль «Снегирь» горестно констатирует заскорузлую скупость щедрой души, гуманизм, вывернутый наизнанку и мужество, которым не стоит бравировать. «Не взлетим, так поплаваем» - лучше не рисковать и оставаться на месте.

В конце концов, тревога не утихает: впереди новые рейсы и новые пассажиры на борту, которые, если не захотят, жизнь научит их чему-то. Однако, смотреть на катастрофу, вызванную человеческим фактором, страшнее, чем слушать предупреждения о шторме.